My Hero Academia

Uno de los mangas más famosos de los últimos años… o puede que no, la verdad, con tanto manga como se publica a veces me cuesta saber lo que es popular y lo que no. Así que… uno de los mangas que me estoy comprado y por lo tanto es muy popular entre los miembros de mi familia. Esto os puedo decir que es cierto al 100%.

En un mundo donde la mayoría de la gente nace con poderes (en la historia se les llama dones) es necesario educar a los niños en su uso para que de adultos lleguen a ser personas responsables y no se dediquen a hacer el mal. La historia en concreto se centra en una de las escuelas más prestigiosas del pais que se dedica a formar a los héroes del futuro. Los éxamenes de ingreso son los más duros que existen ya que los estudiantes no solo tienen que tener las mejores notas, sino que también deben poseer unos dones extraordinarios. Y de esto va más o menos la serie, en concreto seguiremos la historia de una promoción de alumnos deseosos de convertirse en una nueva generación de héroes.

Este manga es sin lugar a duda la versión japonesa de los Nuevos Mutantes de la Marvel. Pero mientras que los americanos tienen un equipo más o menos reducidos de personajes, en japón no dudan en meter más y más y más y más personajes. La clase protagonista esta formada por 20 alumnos y sus varios profesores. También hay otras clases aunque esas no se ven mucho. Y como no están todos los héroes y villanos adultos. A lo tonto, a lo tonto, por el tomo 10 te has juntado con más de 100 personajes, de los que cuesta recordar no solo el nombre sino quienes narices eran ni que pintaban exactamente en la historia. El mismo autor reconoce en las anotaciones que se la va un poco la mano con la cantidad de personajes involucrados en la trama.
Como gran virtud de esta serie, lo que en otras lleva años y años de desarrollo aquí se desarrolla a toda velocidad. Sin tiempo de pausa, todo es pelea con el villano de turno seguido de un torneo (o competición deportiva similar), seguida por pelea, seguida por torneo, etc, etc. Los capítulos entre estas tramas son casi anecdóticos así que estamos ante una serie que tiene acción, muchos personajes, más acción y muchos más personajes.

Aunque el gran problema de la serie no son ni los personajes ni el exceso de acción, sino el dibujo y la narración de este tipo de escenas. Su autor, Kohei Horikoshi, como dibujante es muy limitado. Tiene algunos problemas para realizar caras diferentes, lo que a veces lleva a equívocos entre personajes (Bakugo y Todoraki parecían al principio la misma persona). Pero lo que es mucho peor es que tiene bastantes problemas a la hora de dibujar las escenas de acción, ¡qué son el 90% de la serie! Es muy complicado entender que pasa en muchas ocaciones cuando se estan dando tortas de lo lindo y te enteras del resultado de la pelea porque los propios personajes anuncian quien ha sido el ganador. Es muy desconcertante no saber que pasa en muchas ocasiones. Al autor le habría venido muy pero que muy bien que otro dibujante se encargara de los lápices y el se hubiera concentrado en los guiones, que son muy entretenidos y que hacen la serie muy llevadera.

Dicho lo bueno y lo malo, es un manga que me tiene bastante engachado. Es lo más parecido a leer superheroes americanos a la japonesa y es una serie bastante entretenida y trepidante. Es una lastima lo del dibujo pero al menos se compensa con toda la imaginación que tiene el autor creando nuevos personajes constantemente. No he visto la versión en anime, pero tengo curiosidad por ver si allí han pulido estos defectos del dibujo.
Así que recomendado si te gustan mucho los superheroes y la acción trepidante típica del shonen. Si no, ni te acerques.

Un nuevo Spiderverso

Ha llegado la hora de reseñar la mejor película de Spiderman hasta la fecha. Ni siquiera es necesario verla para calificarla como la mejor ya que es la primera película de animación del personaje en pantalla grande, así que parte con ventaja. Pero sí, es muy buena la condenada, aunque es muy injusto compararla con las de imagen real. Comentemos la película y veamos las razones de ello.

Wilson Fisk, alias Kingpin, ha sufrido una gran tragedia personal: acaba de perder a su mujer y a su hijo en un accidente de coche. Gracias a sus negocios como criminal tiene a su disposición una cantidad de recursos casi ilimitados por lo que decide utilizarlos para traer de vuelta a sus seres queridos cueste lo que cueste. Así que contando con la ayuda de una científica bastante demente decide construir un acelerador de partículas para traerse a sus familiares de un universo alternativo. Y aquí es donde entra Spiderman (¿Ben Reilly?) para estropearlo todo ya que al parecer traerse cosas de otros universos puede destruir la realidad y esas cosas. Aunque claro, una vez abierto el agujero hacía otras dimensiones es muy fácil que se te llene la casa de bichos. Bienvenidos a la película de los Seis Siniestros Spidermans.

Ese es (más o menos) el argumento aunque realmente la película esta sobre centrada en Miles Morales, el segundo Spiderman del universo Ultimate. Un argumento muy bien trenzado porque a ver como le explicas a la gente de a pie la existencia de lo Ultimate, un universo creado para “vender” los personajes Marvel a los ejecutivos de Hollywood. Pues de forma parecida a como se ha hecho aquí, te olvidas totalmente de lo Ultimate y utilizas el entramado de múltiples universos que se montó Dan Slott en su Spiderverso, eso sí, sin la parte de los «vampiros» comedores de arañas, que es otro lío.
Por lo que en realidad estamos ante el viaje iniciático del héroe, en particular de Spiderman y su correspondiente tragedia personal que termina definiéndole como héroe. Es una maravilla esa escena donde cada uno de los Spiderman va describiendo su propia tragedia, como si fuera una constante universal que le ocurre al personaje en todos los universos..

Recapitulando, tenemos un viaje iniciático, unos villanos pintorescos bajo las ordenes de un Kingpin que no quiere hacer el mal, solo recuperar a sus seres perdidos, y unos Spidermans luchando por volver a sus universos. Todo muy entretenido, con grandes dosis de diversión, pero con una trama bastante justita y que no termina de explotar las bondades del multiuniverso como debería. Demasiado tiempo en pantalla para Miles, demasiado poco para el resto. Esta claro que la intención es presentarle en sociedad y que esta es su película, pero cuando te dan a probar del buen jamón serrano cuesta conformarse con el choped.

Donde destaca espectacularmente la película es en su aspecto visual y técnico. Todos y cada uno de los fotográmas son una belleza que combinan cine y cómic de una manera magistral. En ocasiones es como leer un cómic animado, con sus textos de apoyo y sus transiciones entre viñetas. El resto de la cinta tira de todos los recursos habidos y por haber en animación, jugando con todo tipo de planos de cámara, ángulos imposibles, giros vertiginosos, colores estramboticos, etc, etc. Es una autentica orgía visual. Puede que el estilo de dibujo utilizado no termine de convencer a todo el mundo, pero en general, cualquier plano es un maravilloso despliegue de todo tipo de técnicas visuales. Un delirio.

Mención especial a los créditos de la película, donde ahora sí, juegan con el multiuniverso en toda su gloria y se nos muestra a miles de spiderman protagonizando todo tipo de absurdas situaciones. Son los créditos más alucinantes que he visto en muchísimo tiempo, para verlos una y otra vez y recrearse en todos y cada uno de sus detalles. Quiero quedarme en vivir en esos créditos toda mi vida.
La escena post créditos es otra maravilla por las posibilidades que abre (mas multiverso) y por lo hilarante de toda la escena. De las mejores escenas post-creditos de todo el universo Marvel, por no decir la mejor.

Para concluir me parece totalmente injusto lo de la mejor película de Spiderman hasta la fecha, porque no estamos comparando las mismas cosas. El cine de animación cuenta con una serie de medios y recursos que de ninguna manera pueden usar en el cine de imagen real, muy especialmente en el caso que nos ocupa. De la misma manera que en las listas de mejores películas de superhéroes nadie menciona las de animación, no deberíamos comparar esta cinta con el resto. Para el publico general tampoco tiene comparación, como demuestra la taquilla, ya que esta película por muy maravillosa que sea ha hecho menos dinero que TODAS las películas de la saga. Lo que para mi demuestra que el publico en general no asocia esta película con el resto.

Dicho todo esto, la mejor película del personaje de largo. Para ver una y otra vez y gozarla continuamente. Una absoluta maravilla.

Jojo’s Bizarre Adventure

Tenia mucha curiosidad por leer algo de esta saga de mangas porque conozco a auténticos aficionados que te hablan como posesos de la serie. Más que posesos como zombis obsesionados con devorar cada una de sus páginas como si fuera la biblia. Así que aprovechando que Ivrea esta editando el manga en nuestro país me he hecho con la primera saga de la serie y… tremendo todo.

Inglaterra victoriana, siglo XIX. El padre del joven Dio esta a punto de morir y le pide a su hijo que vaya a vivir con la familia Joestar, a los que salvó la vida hace tiempo (más o menos) por lo que se están en deuda con él. Tras el funeral, Dio decide hacer caso a su padre , más que nada porque los Joestar son millonarios y la vida que le espera promete estar llena de lujos. Así que agarra sus cosas y se planta en la mansión donde le esperan con los brazos abiertos tanto el cabeza de familia como su hijo Jonathan, Jojo. Pero Dio tiene en mente muchas cosas, en concreto convertirse en un buen hijo adoptado, matar a su nuevo padre, destruir a su hermano postizo y quedarse con toda la herencia familiar. Porque resulta que Dio es malo malísimo mientras que Jojo es bueno buenísimo. Así que los dos irán creciendo juntos mientras se van puteando y dándose tollinas cariñosas como harían dos buenos hermanos. Así estaremos unas buenas 200 páginas como si fuera una novela victoriana de época. Elipsis y saltamos a la mayoría de edad de los dos jovenes, cuando Dio lleva a cabo su plan de cargarse al padre. En ese momento un elemento sobrenatural entra en juego. En concreto una mascara maya encontrada en unas excavaciones capaz de convertir en una especie de vampiro superpoderoso a su portador. Y como no podía ser de otra manera, esta mascara va a parar a manos de Dio y a partir de entonces las hostias cariñosas como hermanos se convierten en hostias a mano abierta como panes. Y aquí es donde empieza el tremendismo.

Jojo es una serie que empieza en plan costumbrista, con sus señoritos relamidos y sus combates de boxeo de caballeros. Tras un buen porrón de paginas nos mete en una serie de batallas de dimensiones descomunales entre el bien más puro y el mal más oscuro, porque lo que gira esta saga es la lucha entre hermanos cuyo único objetivo en la vida es su destrucción mutua.
Como no podía ser de otra manera asistiremos a sus respectivos viajes iniciáticos donde se irán haciendo más y más fuertes mientras van adquiriendo técnicas de combates mortales uno y poderes demoniacos el otro. Y se enfrentan una y otra vez mientras se van haciendo más y más cachas y todo adquiere más tremendismo a cada página que pasa. Porque los protagonistas no mueren ni para atras, ya se pueden arrear hostia tras hostia que siempre se sacan un as bajo la manga para poder contrarrestar al adversario o para escapar y preparar el siguiente enfrentamiento. En medio de tanta pelea hay alguna que otra aventurilla, el bueno va conociendo camaradas con los que compartir aventuras y van apareciendo bosses de nivel medio a los que derrotar antes de llegar al boss final. A mi en concreto me recuerda mucho pero que mucho a los videojuegos de Castlevania, incluso veo que practicamente nacieron la a vez, el videojuego es del 86 y el manga del 87. Eso no es casualidad.
Aunque esto es solo la primera saga. Al parece cada una de ellas son independientes transcurriendo en tiempos y lugares diferentes (como los Castlevania, vaya), así que no sé si la segunda tendrá un estilo similar (lo tendrá, no lo dudéis).

Así que una cosa muy divertida, muy entretenida y sobre todo muy tremenda. Va a siempre a más todo el rato, los personajes se hacen más y más grandes, los dramas son más y más intensos y las peleas son más y más cafres. Todo el rato para arriba, todo el rato a superar lo narrado hasta el momento, todo el rato a ser más grandes que la vida. Es tremenda y sobre todo tremenda. Me da miedo ver como se van a superar en la siguiente saga, pero habrá que meterse de cabeza en ella a ver que pasa.

Ojo, que a lo tonto es una saga que con más de 30 años y que se sigue publicando actualmente en Japon yendo a día de hoy por el tomo 123. La saga actual tiene un nombre arrebatador: JoJolion. Creo que voy a picar con la siguiente saga, que son 4 tomos de los gordotes y luego ya veremos si me atrevo con la siguiente, que son 10 y eso empieza a ser mucha tralla.

La muerte de Lobezno

Spoilers en el título no por dios… que no, que no estoy espoileando nada, es que el tebeo se llama así. Y no os imagináis de que trata la historia, es imposible que se os ocurra. En la muerte de Lobezno resulta que… ¡muere Lobezno!

deathofwolverinePues efectivamente, eso es, ni más ni menos. Lo que se menciona en el título ocurre en la última viñeta de esta miniserie de 4 números. Lobezno muere y siento el spoiler pero es que… es que… ¡lo ponía en el título! ¿Os imagináis que luego en el tebeo no muere nadie? Eso sí que sería una autentica sorpresa.
La historia en sí no tiene nada de especial. Lobezno ha perdido su factor curativo (otra vez) y todos sus enemigos de siempre acuden uno detrás de otro a pegarse de tollinas con nuestro héroe. Lo del factor curativo como que da un poco igual, porque Lobezno sigue tan burro como siempre y recibe todos los golpes, cuchilladas o explosiones que hace falta. Él antepone sus sagradas partes genitales a lo que haga falta y sigue adelante pase lo que pase. De esta forma vemos desfilar por la miniserie a todos los habituales de las series de los personajes matando cualquier capacidad de sorpresa. Es una sucesión de peleas poco interesantes que desemboca en Lobezno acudiendo a cierta sitio para sacrificarse por el bien de los demás. Muere sin demasiada épica y a otra cosa mariposa. Y mira que Charles Soule es un buen guionista, pero para esto mejor que se hubiera quedado en casa.

La historia no acaba ahí, claro. Al mes siguiente tenemos varias colecciones con títulos tan variopintos como Vida después de Logan, El Legado de Logan, El Programa Arma X o Lobeznos. Un vistazo al Previews del mes siguiente o del siguiente nos revela más de 30 referencias a Lobezno entre recopilatorios y no-apariciones en nuevas series. Es más fácil comprar material relacionado con el personaje ahora que esta muerto que cuando estaba vivo. Es como si realmente no hubiera muerto… ¿verdad?

Nadie se cree la muerte de un personaje tan importante como este y todos sabemos que más temprano que tarde volverá a ocupar su lugar en el mundo de los vivos. Ya estamos todos curtidos en batallitas de estas para saber que la única finalidad de este tipo de historias es sacarnos los cuartos y nada más. Tan pronto se publica tan pronto se inicia la vuelta atrás para la vuelta del personaje. Pues si eso lo sabemos todos, pero todos, todos… ¿por qué se vende tanto?

DEATH OF WOLVERINE #1 261.975 ejemplares
DEATH OF WOLVERINE #2 129.999 ejemplares
DEATH OF WOLVERINE #3 141.567 ejemplares
DEATH OF WOLVERINE #4 165.582 ejemplares

Para mi lo más increíble es que se venda tanto del primer número de una miniserie de 4 sabiendo que muy posiblemente en ese número no pase absolutamente nada. ¿Alguien se imagina que dentro de diez o veinte años alguien intente vender el primer número de una miniserie anunciando la muerte de un personaje y que eso no pase en el tebeo? No tiene ningún sentido, pero ahí están las cifras. Fijaros en que el 2 y el 3 solo se compran los fanáticos. El 4 ya vuelve a tener cierto repunte porque al menos ese si tiene cierto valor sentimental. No demasiado, seguramente en seis meses valga lo mismo que un rollo de papel higiénico, pero ey, al menos comprarte el último número tiene más sentido que comprarte solo el primero.

Que Marvel intente vendernos esta moto una y otra vez no es ninguna novedad. Pero que la gente se las siga comprando es lo totalmente incomprensible, ¿Es qué no aprenderemos nunca?

La atemporalidad de Gotham

La serie de televisión de Gotham, recién estrenada en los USA, tiene un extraño problema que cada vez más a menudo se va reproduciendo en los cómics de hoy en día: ¿en qué maldita época temporal se ubica la serie?

gothamposterGotham empieza, como cualquier serie donde Batman tenga el más mínimo protagonismo, con la muerte de sus padres. No sé cuántas veces habréis visto a los progenitores de Bruce ser asesinados, porque es una escena que se repite cada dos por tres en cualquier media, sean cómics, televisión o cine. Debido a que sabemos cual es la película que la familia Wayne estaba viendo ese día, La Marca del Zorro, podemos poner una fecha más o menos exacta de cuando ocurrió el suceso: sobre 1920. Esta fecha concuerda perfectamente con la publicación del primer cómic de Batman en 1939 ya que le da tiempo a Bruce a crecer (rondaría los 30 años) , viajar por el mundo, entrenarse, etc, etc. Y sobre todo da tiempo a Bob Kane a tomar «prestados» algunos detallitos de la película para su personaje. Debido a que existe un remake de 1940, existe cierta discusión sobre si estaban viendo esta versión o la anterior. Os lo creáis o no, es una discusión que puede llevar horas, pero para el propósito de lo que quiero expresar aquí me da igual que sea 1920 o 1940, si queréis nos quedamos con la primera mitad del siglo XX, antes de la segunda guerra mundial.

Así que en teoría la serie debería trascurrir sobre aquellos años, década abajo, década arriba. El problema es que eso no es así, pero tampoco nos queda claro en que momento de la historia se sitúa la serie. Si nos fijamos en la ropa y en la tecnología que aparece es posible que se sitúe en unos años 80 menos coloridos de los que estamos acostumbrados. Solo tenemos claro que estamos en una era donde ni internet ni los teléfonos móviles existían, así que al menos podemos decir que no hemos llegado a los 90. Esto es conveniente para todos. Retratar los años 20 fielmente supondría un coste que ni de broma una serie de este tipo se puede permitir. Además, para mucha gente que ha nacido con el teléfono móvil presidiendo sus vidas, el pasado tiene pinta más o menos de ser esto, así que supongo que con eso les valdrá.

Ubicar la serie en los años 80 resuelve el problema de la edad actual de Batman. Si en los 80 Batman rondaba los diez años, hoy ronda los 40, porque sino hoy tendría más de 100 años y eso no tiene sentido, ¿verdad? Pues este es el problema que cada vez más habitualmente nos encontramos en los cómics que leemos: los personajes no envejecen. En toda caso maduran un poco, Spiderman empieza como adolescente, pasado un tiempo llega a la edad adulta y ahí se estanca por los siglos de los siglos. Evidentemente en una industria como la del cómic cuesta mucho envejecer o jubilar a tus personajes porque son tus gallinas de los huevos de oro. De vez en cuando se hace algún que otro amago y Peter Parker deja paso a Ben Reilly, El Capitán América al Halcón o Thor a una mujer. Pero tarde o temprano se vuelve al status quo de siempre, al que el lector esta acostumbrado. Eso hace que cada vez se nos haga más cuesta arriba pensar en que guerra peleó el Capitán América porque la distancia entre fechas cada vez se hace mayor. No por él, que tiene el suero que hace que no envejezca, sino por todos los que pelearon a su lado, que unos cuantos de ellos aún sigue vivos y con unos 90 años que aparentan ser 40.
(aunque en la saga actual Steve Rogers es un viejete todos sabemos que eso no durara mucho).

allenmontoya Volvamos a Gotham, años 80, vale. Bruce sale de niño, Jim Gordon empieza su carrera como detective, Catwoman es una adolescente ladrona y el Pingüino hace sus pinitos como sicario en la Mafia. Todos más o menos ubicados en la misma franja temporal, así que más o menos es creíble (teniendo en cuenta que hablamos de ficción). El problema es cuando aparecen Rene Montoya y Crispus Allen, ese es el momento que me saca de la serie. Esta claro que a la hora de buscar secundarios, encontrar policías de Gotham compañeros de Gordon es una tarea imposible. Harvey Bullock y para de contar. Así que han tenido que rascar y se han sacado de la manga a los protagonistas de Gotham Central. Montoya es cosecha del 92 y Allen del 2000. Así que Gotham les pille muy pero que muy lejos. En una pirueta final han convertido a Montoya en una ex-amante de la futura señora de Gordon, vamos, que podría ser su nieta o su bisnieta.
Por eso cada vez que aparecen estos dos personaje se me funden las neuronas y mentalmente me monto mi propia película: son viajeros temporales. No, no me he vuelto loco, es que claramente son dos personajes fuera de época. Son los únicos policías que no son corruptos, parecen saber más que nadie de los criminales e incluso visten diferente. No pintan nada ahí, no tienen sentido, son una autentica anomalía… ¡vienen del futuro! Y esta última afirmación es cierta desde el punto de vista creativo y por todo lo que hemos contado. Han sido insertados en la continuidad a posteriori, han sido retrocontinuados.

Y esto es lo que pasa cuando en vez de ponerte a ver una serie y pasar de todo, te pones a estudiar de donde salieron los personajes, no lo intentéis en vuestras casas.

Multiversity

¿Otra serie más de DC sobre los universos paralelos? ¿Otra serie escrita por Morrison? Venga DC vete a cagar a la vía… Un momento, ¿y si por una vez han dado con la tecla? ¿Y si después de tantos intento por fin saben como hacer las cosas?

multiversity1Antes de nada y para dejar las cosas claras, a mi Morrison me parece el escritor más irregular que ha existido jamás. Tiene ideas brutales,de autentico genio, de esas de quitarse el sombrero y quedarse maravillado durante años. El problema es que las alterna con demasiada frecuencia con idas de olla espectaculares, con historias que no se entienden en absoluto y cuya lectura es una autentica tortura. Conozco a unos cuantas personas que prácticamente tienen un templo dedicado a Morrison en su casa que, cuando se encuentran con uno de estos engendros te los intentan justificar de cualquier manera. Que si no lo entiendes es tu problema y no del autor, que si la historia necesita un esfuerzo extra por parte del lector, que si la narrativa es demasiado rompedora para entenderla… Pues no, mira, si no se entiende, no se entiende por mucho que ponga de mi parte para intentar entenderlo. En demasiadas ocasiones Morrison se pasa de rosca con lo que intenta contar y le salen unos tebeos malos no, malísimos. Lo que pasa es que cuando es bueno, es muy bueno, el mejor de todos, por eso y solo por eso todos sus trabajos merecen una oportunidad. Eso sí, si tras 24 páginas no has entendido una mierda, es culpa suya, no del lector. Dicho todo esto…

Multiversity es uno de los tebeos más entretenidos e interesantes que ha publicado DC en muchísimos años.

Desde que Didio se hizo con los mandos de DC, la editorial no hace más que publicar unas crisis tan otras. Como si fuera una especie de trauma de infancia (Didio tenía 26 años cuando se publicaron las Crisis originales en el 85), el editor juega con los multiuniversos de una manera obscena y enfermiza. Ahora existen, ahora no, ahora vuelven, ahora me los cargo. 52, ¿52? ¡52!
Ninguna de las Crisis publicadas le he llegado a la suela de los talones a las del 85, ni siquiera las Final Crisis de Morrison, que ni eran unas Crisis ni tenían demasiado sentido (aún sigo sin entender nada del último número de la serie, ¡nada de nada!). Multiversity es la primera serie en los casi 40 años trascurridos que por fin sabe y huele como aquellas Crisis.

Por supuesto, Multiversity va sobre universos paralelos y una gran amenaza que se cierne sobre todos ellos. Y aparecen los monitores, bueno, solo uno de ellos, y los personajes de los diferentes mundos interactúan para parar la amenaza… pero de una manera muy curiosa y particular… ¡a través de los cómics! Morrison explota la idea de que la realidad de un universo son las historias aparecidas en los cómics de otros. Y a través de esas historias, viñetas dentro de las viñetas, los personajes van enterándose que algo extraño y muy peligroso esta acechando sus vidas. Es ese metalenguaje que tanto le gusta a Morrison, pero completamente integrado dentro de la historia y con todo el sentido del mundo. El cómic le habla directamente al lector y a sus personajes y a los del otro universo e incluso a los autores. El cómic habla con todos, se podría decir que tiene vida propia.
Y por supuesto, al igual que con el tebeo de Wolfman y Perez las relecturas son todo un placer donde descubres cosas que se te habían pasado por alto. Ahora mismo tengo ganas de coger otra vez el primer número y pegarle un serio repaso.

Multiversity es el mejor tebeo que se esta publicando en la actualidad y que me tiene más expectante mes tras mes ante la aparición de una nueva entrega. Es la razón por la que leo tebeos y por lo que siempre vale la pena tener esperanza en este loco mundo de superheroes. Es una autentica maravilla.

Superman 32

Este es uno de esos tebeos que las editoriales publicitan como «Fan Favorite» antes de que salga al mercado porque no es necesario esperar a conocer la opinión de nadie para saber que le va a gustar a todo el mundo. Es John Romita Jr., ¿cómo puede no gustaros?

superman32El número 32 de Superman supone el debut de John Romita Jr. en la serie de Superman y por extensión en un cómic DC. Es un momento muy especial en la vida del artista porque lleva toda su carrera trabajando para Marvel, casi siempre con un lucrativo contrato en exclusividad que parecía no acabar nunca. Pero tan buen contrato, sueño de muchos artistas, se convirtió en un arma de doble filo: Romita no podía dibujar cualquier serie. Debido a sus altos emolumentos solo podía dibujar series con los personajes de más éxito de la compañía y olvidarse de los personajes con menos ventas. El típico circulo vicioso: la serie se vende porque ponemos a los mejores artistas, los mejores artistas solo dibujan las series que mejor se venden. Esto termino cansado a Romita que como todo artista tiene sus inquietudes y quería dibujar otro tipo de cosas. Tras mucho tira y afloja con los editores, Romita decidió poner fin a su contrato para poder trabajar donde le diera la gana. Y la primera oferta, que se sepa, vino de DC para dibujar a su principal icono, Superman, y Romita aceptó la oferta.
En esta ocasión no hay contrato de exclusividad que valga por lo que Romita podría trabajar con Marvel cuando le apetezca, pero al parecer en la editorial no se han tomado muy bien este tema, así que por un tiempo, vamos a ser solo amigos y ya si eso quedamos un día para tomar un café.

Volviendo a Dc, hacía mucho que la editorial no le arrebataba un gran autor a su mayor rival, así que para que la ocasión merezca la pena le han puesto al que consideran mejor guionista de la casa, Geoff Johns. Sí, es lo que hay, no le deis más vueltas. Y entre los dos han parido este Superman 32 y los que le vendrán a continuación que no se sabe cuantos serán porque este es el quinto equipo creativo que tiene la colección, no duran ni un año los condenados. Romita esta como siempre, así que si te ha gustado de toda la vida este es un tebeo espectacular, y si eres de esos que no te entra, pues es un tebeo odioso, no hay nada que hacer.
En cuanto al guión, una vez más a Johns se le ve el cartón. Su originalisima historia empieza con un matrimonio cuya dimensión esta a punto de explotar y que deciden mandar a su bebe a nuestra dimensión, donde casualidades de la vida, tendrá poderes sobrehumanos. No había leído algo semejante jamas… el resto del numero esta bien, en la línea de Johns, buenos diálogos, buenas escenas y promesas de un futuro mejor. Veremos si es capaz de cumplir lo prometido, que ya nos conocemos Geoff, ya nos conocemos.

Por cierto, que este número no es solo «fan favorite» sino también «entry point», es decir, que sirve para punto de entrada para todos aquellos que quieran iniciarse en las aventuras del personaje. Así se nos presenta a Jimmy, a Perry, a Clark… ¿es necesario? ¿En serio nadie conoce a los personajes? ¿Alguien en el planeta Tierra necesita conocer a Superman? A lo mejor ya va siendo hora de dejar estas cosas a un lado y asumir que Superman es un personaje universal para todo el mundo…

A ver cuanto tiempo duras en DC Romita, que no son especialmente conocidos por cuidar a sus autores. A mi todo lo que hagas me parece bien, así que yo te seguiré a donde quieras que vayas. Johns, cuídamelo.

Piloteando con Flash

Como pasa con todos los pilotos de todas las series, se ha filtrado el de Flash por media internet así como por casualidad. La verdad es que con la cantidad de trailers que nos han mostrado ya casi habíamos visto casi todo el piloto a cachos, pero nada puede detener el ansia de verlo entero por primera vez.

Voy a spoilear el piloto desde el principio, así que lo mejor que puedes hacer es descargartelo de donde tu ya sabes antes de leer esto y luego ya vuelves por aquí más tranquilito. Venga, ¿ya? Pues vamos.

flashtvserieLa serie de televisión de Flash debería empezar como lo hacen todas las series: con el origen. Pero aquí han decidido meter antes una escena crucial para el personaje y bastante insólita: la muerte de la madre de Barry a manos de Zoom. Excepto que solo vemos unas líneas cinéticas alrededor de la madre, así que solo tu y yo sabemos que esas líneas pertenecen a Zoom porque nos hemos leído los comics. O quizá tu tampoco lo sepas porque este hecho es relativamente reciente. Ocurrió en 2009 en la miniserie Flash Rebirth, donde Zoom descubre que puede alterar el pasado (¿eso no lo había hecho siempre?) y donde tras matar a la madre de Barry intenta también acabar con la vida de Iris, pero eso ya es otra historia. Tanto la madre como Zoom son elementos claves en la posterior Flashpoint para la creación del New 52, así que estamos metiéndonos en un terreno muy pantanoso.

Volvamos a la tele y la elección de este curioso momento. Se ha elegido como trama central para la temporada (o eso parece) la muerte de la madre y el enfrentamiento con Zoom, que aparece a lo largo de todo el capitulo pero solo se sabe quien es si se conoce su identidad secreta. Es decir, se ha elegido un momento puro y único nacido del cómic desconocido para el espectador. En Arrow también se hizo algo parecido, escogiendo la isla como subtrama a desarrollar, pero en ese caso se podía hacer cualquier cosa con la isla, tuviera que ver con los cómics o no. En esta ocasión todo lo de Zoom es algo muy de tebeo y que implica fuertemente el speed force y todo el rollo metafísico que eso conlleva. Es una apuesta muy valiente por parte de los responsables de la serie y esperemos que sepan capaces de seguir por ese camino.

Y después de todo este rollo efectivamente viene el origen del personaje que es el que todos conocemos pero con un cambio muy ingenioso para justificar que haya todos los villanos que quieras con superpoderes. En este caso la tormenta que provoca los poderes de Barry esta unida a una explosión en un colisionador de hadrones que casualmente habían construido allí mismo, al lado de la ciudad, como quien no quiere la cosa. Así que tenemos que la tormenta ha dado poderes a todos dios (como en Misfits) y a partir de eso pueden estar sacando villanos nuevos todas las semanas sin ningún tipo de problema. Es un giro interesante y que te ahorra tener que narrar un origen nuevo todas las semanas.

La otra novedad es el Team Flash! Bueno, no es que no lo llamen así, pero le han buscado amigotes científicos para que le ayuden a desarrollar sus poderes. Son amigos muy curiosos la verdad, una de ellos es Killer Frost y el otro es… ¡Vibe! Ah, y un misterioso viajero del futuro que no han terminado de decir quien es, pero que más o menos se puede intuir. Todo esto tiene un nombre: el síndrome de la identidad secreta. Tanto en Smallvile como en Arrow como en esta serie, todo dios tiene que conocer la identidad secreta del héroe, sino los guionistas no saben como mantener la mascarada habitual del «¿como que nunca os he visto juntos?». En fin, es lo que hay.

El resto del capítulo, pues muy clasicote la verdad, casí de la edad de plata, con Barry dando vueltas como un loco para detener un tornado. Vamos, las cosas que nos gustan a los viejunos como servidor. Casi se me cae una lagrimita y todo.

Así que todo bien, con muy buena pinta y bastante prometedor. Es solo el piloto pero si siguen por estos derroteros, otra serie más para echarse a la boca. Y eso siempre es felicidad.

Orgullo y satisfacción

La alianza rebelde que decidió abandonar el Jueves no podía dejar que el evento que provoco el cisma en la revista se quedara sin su correspondiente celebración. Esta se llama Orgullo y Satisfacción y es lo que sentimos tanto los lectores como los autores tras la publicación de esta obra.

estirpecampechanaLa historia de como surgió esta publicación la cuenta perfectamente Paco Alcázar y es algo que cuando te lo cuentan hasta parece de cajón. Claro que esta gente no se podía quedar quieta, claro que tenían que seguir publicando todos juntos, claro que tenía que ser por internet, ¿qué otras opciones les quedaban? Bueno, es evidente una vez que conoces el proyecto, que hace unos días estábamos todos debatiéndonos entre dudas y más dudas. Da igual, lo importante es que se han puesto manos a la obra y que entre todos han parido una obra magnifica.

Orgullo y Satisfacción es un magnifico tebeo (o revista, como lo queráis llamar). No lo digo porque los autores me caigan extraordinariamente bien (que también) sino porque lo he disfrutado una barbaridad. Todos ellos se han adaptado a la perfección al cambio de formato y la lectura en tablet resulta muy fluida. Se nota sobre todo la libertad que cada autor ha tenido en su historia, cada uno hace lo que quiere, lo cuenta en las viñetas que cree necesario y utiliza las paginas que considera oportuno. Es lo que tiene el formato digital, que esta libre de las limitaciones físicas del papel y puedes meter más y más páginas sin que repercuta en los costes.

Aunque el mayor acierto de este formato seguramente sea la maquetación y la elección del orden de las historias. En el Jueves este tema es bastante rígido, se trata el tema de portada durante unas paginas y luego cada autor tiene su sección fija en su página correspondiente. De vez en cuando se producen cambios, pero por lo general la estructura es bastante fija. Eso todas las semanas te crea como lector cierto condicionamiento psicológico: tras esta historia va esta otra que no me gusta, así que no termino de disfrutar lo que estoy leyendo porque me desagrada lo que esta por venir. Evidentemente Orgullo es un número único y no estamos condicionados en su lectura, pero todo fluye de una manera  muy orgánica. Por poner un ejemplo, a mi me resulta cargante encontrarme con 5 chistes de Guillermo en la misma página, pero intercalándolos con el resto me resultan bastante ligeros y más graciosos, aunque sea lo mismo de siempre. Lo mismo con lo que ha hecho con las páginas de Mel, en vez de poner las tiras una detrás de otras, las han ido mezclando a lo largo de las páginas y se hace muy simpático volverte a encontrar a las dos viejas a lo largo de toda la lectura.

elreysemidiosMe lo he pasado muy bien, lo he disfrutado mucho y estaría dispuesto a gastarme la misma cantidad de dinero e incluso un poco más todas las semanas. Es más, me parece un crimen que el próximo miércoles no este otro número disponible al público. Entiendo que para este lanzamiento todos han tenido que quitarse horas de sueño y hacer un gran esfuerzo para que salga a tiempo, pero con todos los autores disponibles, con tanto talento a su disposición, no es descabellado que esto se pudiera convertir en una cita habitual con los lectores.

Evidentemente el primer número se esta beneficiando de toda la publicidad que provocó la censura impuesta por RBA y supongo que habrá cierto número de personas que se lo compran por simpatía. Ahora mismo rondan los 25.000 ejemplares vendidos y esta claro que el número 17 vendería algo menos, pero quien sabe, todo es acostumbrar a los autores y a la gente. A mi no me importaría pagar por una suscripción anual y tener todas las semanas calentito mi ejemplar en el email y supongo que unos cuantos más estarían conmigo.
Tampoco es descartable su publicación en papel, hay gente que se lo ha impreso y se lo ha llevado a los autores a que se lo firmen, algo totalmente marciano pero que aún demuestra que hay gente que vive demasiada apegada al papel. Yo también ojo, pero no por eso hay que dejar atrás las tecnologías. Internet ha propiciado que esta gente pueda publicar de esta manera, hace 20 años esto no hubiera sido posible.

La vida continua y tiene que continuar para todos estos autores. Espero que sigan esta linea y que sigan adelante hasta donde puedan y el talento los deje. Ha sido una gran experiencia, que no se quede en algo anecdótico.

Días del futuro pasado, la película

Nueva entrega cinematográfica mutante basada en una de los mejores sagas que hemos leído en los tebeos. ¿Habrá logrado estar a la altura? Pues no sé que deciros, es complicado.

x-men_futurepast_movieNo creo que haga falta explicar el argumento de la película porque supongo que la mayoría de vosotros os habréis leído el cómic hasta la saciedad y en lo básico la historia es exactamente la misma. Un futuro con centinelas matando a todos los mutantes, un viaje al pasado, un intento de asesinato, etc, etc. Vamos, un día cualquiera en la vida de los hombres y mujeres X. Con ese guión es imposible hacer una mala película, ¿verdad?

Me cuesta mucho hacer una crítica de la calidad de la cinta porque no he sido capaz de verla como una película normal y corriente, ni siquiera como una película de superheroes. Los mimbres narrativos utilizados me han fascinado de tal manera que me han impedido ver todo el bosque. No es una simple adaptación de un cómic, es la translación de todo un modelo de universo compartido llevado a la gran pantalla, una amalgama entre cine y cómic que no había visto antes. Vamos a echar un vistazo a esos mimbres.

En el cómic original, Kitty Pryde era la persona que viajaba a nuestro presente para intentar evitar el asesinato del senador Kelly. El futuro entonces era 2013 y el presente 1980. Ahora estamos en 2014 y hemos sobrepasado al cómic por lo que el viaje al presente se antoja complicado. Además, ¿a qué presente? Porque el de la primera trilogía de películas lo quemaron completamente con la tercera entrega. Por no hablar del problema de la edad de los actores, como ya comprobamos en el bochornoso retoque digital de las caras de Patrick Stewart e Ian McKellen. La solución viene dada por la existencia de la cuarta película, Primera Clase, donde tenemos a un grupo de actores en plenitud y unos 70 a explorar muy interesantes. Es decir, tenemos una idea clara, viajar en el tiempo, un problema real, el presente no es buena idea, y una solución creativa, los 70, que respeta la continuidad cinematográfica. Es un encaje de bolillos complicado pero interesante.

Veamos otro ejemplo, si viajamos a los 70 no se puede asesinar al senador Kelly, porque seguramente ni sea senador ni su muerte en esa época tenga ninguna trascendencia. Necesitamos cambiar al personaje por otro que sea igual de importante en la historia mutante y en este caso han elegido una solución maravillosa: Bolivar Trask. Es un personaje creado casi en aquella época (en el 65) y es el creador de los centinelas originales, lo que le conecta con los centinelas del futuro de una manera bastante directa. Otra rueda más del engranaje que funciona a la perfección.
Hay bastantes más ejemplos como cambiar a Kitty por Lobezno porque el actor es más famoso justificándolo argumentalmente , pero creo que con esto ya he dejado claro lo que quería explicar, que hay una serie de soluciones creativas muy interesantes y muy enriquecedoras, que a nivel de guión nos recuerdan a los mejores tiempos de los tebeos mutantes.

Otro elemento que me dificulta la critica es que no creo que estemos antes una sola película, sino ante tres diferentes y un cortometraje. Tenemos el futuro, que es la parte más trepidante del metraje, con una mezcla de personajes que representan a casi todos los grupos mutantes y a todas las épocas. Esa parte es acción pura y dura, con los personajes usando los poderes a todo trapo y una Blink espectacular que nos muestra como habría podido ser Illyana en la gran pantalla.
Luego tenemos el presente, donde se nos muestra metraje que podría pertenecer a la primera trilogía de películas, y que por suerte casi no se ve en pantalla. Los pocos minutos que ocupa nos muestra unos decorados desfasados y totalmente obsoletos, y eso que se supone que Singer tendría que dar mas lustre a estos momentos, que fue el quien creo todo eso.
La tercera película es el pasado, o la segunda parte de Primera clase. Resulta mucho más interesante que el presente y te hace plantear si el camino seguido por la primera trilogía no fue el correcto (X-Men 2 sigue siendo una gran película, ojo).
Y luego tenemos el corto en medio de la película que es la escena de Mercurio. Es muy divertida, espectacular visualmente y todo un festival de efectos especiales, pero no pinta nada en la película. Parece un intermedio cómico a la vez que un tráiler para la siguiente película de los Vengadores. Espero que Whedon haya tomado buena nota.

Así que, ¿buena o mala película? Para mi fascinante, pero seguramente por motivos diferentes a los vuestros. Con contaros que cuando aparecían las escenas del futuro me entretuve en enumerar quien había creado a cada personaje y cuanto de Neal Adams había en las escenas del pasado os lo digo todo. Para mi ha sido un interesantisimo ejercicio creativo y eso a mi me han compensando de sobra el coste de la entrada.