Joker vs Endgame. Fight!

¿Qué opinas de los que lloran en redes sociales porque Joker gana premios y Endgame no?

Comentario de Pablo Cansado

De los que lloran poco voy a opinar, que griten lo que quieran en twitter o donde sea, total para lo que sirve. La otra parte me interesas más, ¿por qué Joker gana premios y Endgame no?

Pues existe una respuesta muy sencilla: a lo mejor Joker es mejor película que Endgame. La calidad de una cinta suele ser un tema bastante subjetivo y es posible que algunas personas consideren que una es mejor que la otra por mucho que nos pueda sorprender. Sobre gustos no hay nada escrito. Así que como eso tiene poca discusión mejor dejarlo de lado y centrarnos en que es exactamente cada película y que se nos ha vendido realmente.

Joker no es una película basada en un cómic según lo que afirma su director: «Esta no es una película sobre el Joker, sino sobre un hombre que se convierte en el Joker» Y bueno, hay que reconocer que es algo que todos nos tragamos, servidor el primero. Otra cosa es la realidad, es decir cuando empezamos a ver la película y en concreto las desgracias de un tal Arthur Fleck. Al principio parece que sí, que esto no esta basado en ningún cómic, que parece ser una película con un guión original. Pero por desgracia no tardamos mucho en enterarnos que se desarrolla en Gotham y peor aún, no tardan demasiado en aparecer el padre de Bruce Wayne, Alfred y vaya por dios, ¡Bruce Wayne! Ya esta, otra película más donde por huevos tiene que salir Batman. Pero podríamos argumentar que son apariciones secundarias, con poco peso en la trama y que tampoco aportan demasiado… ¡hasta que vemos la muerte de los padres de Batman otra vez!

Ojiplático me quede en la butaca del cine cuando vi la maldita escena. ¡No me lo podía creer! La película que NO esta basada en ningún cómic y que es totalmente original tiene que recurrir a uno de los mitos más manidos de la historia del cómic. ¡Menuda manera de marcar distancias!

Pero no importa porque…. ¡ha funcionado! La gente (no aficionada a los cómics) se lo ha creído y ha ido a ver la película tan contentos. Se han quedado con la magnifica interpretación de Joaquin Phoenix e incluso muchos piensan que el Joker no es un villano sino una victima de la sociedad. Vamos, que el marketing ha logrado que la película pase de ser cómic a novela gráfica. Y ahí es donde esta la diferencia.

Endgame es… lo mismo de siempre. Que sí, que a mi parece la hostia en verso consagrado como a muchos de vosotros, pero no nos engañemos, va de superhéroes pegándose de hostias. Es una gozada para aficionados a los cómics y para aficionados a las películas de Marvel, pero como película independiente no tiene demasiado sentido. O estas muy metido en lo que te cuenta, o lo que te cuenta es muy complicado de entender. ¿Es una película de superhéroes muertos? ¿O una de ingeniosos robos espacio temporales? Ah, que no, que al final hay una hora larga de hostias como panes.

Pues este análisis tan injusto es lo que puede pensar un espectador cualquiera, que incluso puede no llegar a entender la diferencia entre las dos partes de la saga. Incluso es posible pegar un tijeretazo una media hora antes del final de la película anterior y pegarle la hora final de Endgame y el resultado final es más o menos el mismo.

Endgame es una película muy basada en los cómics y en todas las películas anteriores, así que hay que haberse leído muchos años de cómics o haberse tragado muchas horas de películas para disfrutarla en su totalidad.

Así que a la hora de los premios es mucho más sencillo escoger una cinta con un actor que hace una gran interpretación a otra llena de los fuegos artificiales de siempre de todas las películas de Marvel. Es lo que tiene rodar con formula, que a la hora de la verdad nadie te aprecia.

Por otro lado, esta es la única ventaja que tiene que la Warner sea un caos absoluto, que te puede salir cualquier tipo de película. Y a veces por casualidad hasta te sale un Joker.

Didio Out

Jamás me alegrare que despidan a nadie de su trabajo. Pero por otro lado tampoco me ha alegrado todo lo que ha hecho Didio durante todos estos años a DC. Que una cosa no compensa a la otra, pero por una vez, menudo alivio que se aleje de la editorial la personificación de la peste negra.

Didio ha estado, en diversos cargos, casi dos décadas al mando de DC Cómics. Han sido unos años horrorosos. Horrorosos. Aunque alguno habrá, me cuesta mucho encontrar buenos momentos. Sin embargo momentos espantosos los hay en abundancia: Infinite Crisis, 52, Countdown, Amazon Attacks (¡¡¡Amazon Attacks!!!), Los anillos de colores, montón de mierda con Superman, Doomsday, Flash Point, The New 52 (aunque de esto tiene toda la culpa Jim Lee), Futures End, Convergence, DC Rebirth, etc, etc.

Si os fijáis es una y otra vez la misma burra al trigo: Crisis – Nuevos Universos, Destruyo – Construyo, Rompo – Pego, Mato – Resucito. Y así una y otra y otra vez. Y al parecer no tenía pensado parar porque en el siguiente evento llamado Generation Five (5G) iba a reemplazar a los personajes de toda la vida por versiones mas «modernas» de los mismos. Vamos, que se iba a cargar a Batman, Superman,Wonder Woman, Linterna Verde, etc, para dejar paso a versiones más jóvenes de los mismos. Es decir, que Didio tenía previsto seguir cagándose en el legado otra vez más. Y ya van demasiadas.

Se rumorea que esto ha podido ser el motivo de su despido, ya que la Warner se ha asustado mucho viendo todo lo invertido que tienen ahora mismo en películas, series y merchadising, algo que Didio parece estar dispuesto a tirar por la borda solo por dar rienda suelta a su última sandez creativa. Muchas veces pienso que Didio odia la editorial a muerte y lo demuestra en todos esos cómics que llevan la palabra Crisis o 52 en sus portadas.

Lo que no sé si es peor es que Jim Lee sea ahora mismo la única cabeza visible de la editorial, porque hasta ahora tampoco ha demostrado demasiado cariño hacia los personajes. Pero visto que la guadaña anda cercana supongo que se andará con mil ojos.

La verdad es que Didio ha hecho tal destrozo a la editorial que no sé si estos personajes son recuperables ahora mismo. O la Warner renueva la editorial de arriba o abajo o ya la puede ir vendiendo a Marvel como se esta rumoreando. Porque ahora mismo todo es espantoso, ¡absolutamente todo! No se salva nada de nada.

Didio, hasta nunca, has sido todo un dolor en el culo.

Algunos apuntes sobre Pájaras de presa

Al margen del post del otro día sobre el haterismo hacía este tipo de películas me gustaría hacer unos pequeños comentarios sobre algunos aspectos curiosos de la misma. No son importantes, son solo cuatro cosas.

Margot Robbie encaja como un guante en el papel Harley Quinn. La actriz ha entendido a la perfección que este personaje es pura locura y se lanza desenfrenada a interpretarla. En el Escuadrón era un poco (bastante) histriónica en ocasiones, pero aquí le ha cogido el punto en todos los aspectos y es una maravilla poder ver a esta Harley en el cine. Lastima que no le acompañe una historia adecuada.

La Cazadora. No sé si la guionista lo ha hecho aposta pero lo que hacen con este personaje es una puta genialidad. Es el típico personaje plano-plano cuyo único propósito en la vida es la venganza. Matar es lo único que sabe hacer y cuando tiene que mostrar algún tipo de personalidad es una nulidad absoluta. Una vez consumada su venganza no sabe que hacer en la vida, ¡no sabe ni que hace en la película! Y se une al grupo porque… ¿qué va a hacer sino?

– Me perturba mucho, una vez más, la no existencia de Oráculo. Esta película era su lugar natural para encajar y nada, ni de coña. En Arrow esta claro que Felicity es Oráculo pero no, no es Oráculo. Y según leo en la wikipedia, en la nueva serie de los Titanes la iban a meter pero al final tampoco. No sé que lleva peor DC, que le peguen un tiro a Batgirl o tener que mostrar a una persona en sillas de ruedas.

Test de Bechdel El otro día leí a alguien (no recuerdo quien, lo siento) que la película no pasaba el Test de Bechdel. Me resultaba increíble que una película con la palabra emancipación en el título y protagonizada en su mayoría por mujeres no pudiera pasar el test. Y yo creo que lo pasa pero raspadísimo, muy por los pelos. La verdad es que se tiran casi toda la película hablando más de sus relaciones con los hombres que de otra cosa. Le salva algún que otro dialogo suelto, pero son tan escasos que no me extraña que se pueda pensar que no pasa el test. Muy poca emancipación en la película, muy poca.

– Y por último, ¿qué sentido tiene juntar a Harley Quinn con las Pájaras de Presa? Ninguno. Pero para mi eso es algo positivo, ¡ya que imitan el absurdo que DC demuestra mes tras mes en lo cómics! Solo podrían superarlo si la película llevara un «Batman» delante.

Y eso es todo. Hasta aquí mi pequeño comentario de Batman Presenta: una película sin Oráculo.

Pájaras de Presa y nosequé movidas con Harley Quinn

Voy a despacharme rápido con la crítica: la película no es muy buena. Ala, ya os podéis marchar.

 

¿Cómo? ¿Seguís ahí? ¿Por qué? Si ya he dicho lo que queríais… venga, vale, os voy a decir la verdad: a mi la película me ha entretenido bastante. No la pondría ni por casualidad en mi lista de películas favoritas pero las dos horas que he pasado en la sala de cine me lo he pasado bastante bien. Esto ha sido posible gracias a las redes sociales que desde antes del día del estreno han estado dando la turra con que la película era mala, malisima, de arrancarse los ojos, de volarse los sesos y de cortarse las venas. Acudo a ver este tipo de cintas con las expectativas tan bajas, pero tan por los suelos, que si a los cinco minutos de metraje no noto las ganas de vomitar la película me parece buena, que digo buena, buenísima. Sin duda es una película que le cuesta llegar al cinco raspado, pero como parte de una nota de menos un millón, pues ese cinco es casi como… ¡un sobresaliente¡

No me entendáis mal. Me parece estupendo que la película os parezca mala, no le voy a llevar la contraria a nadie en ese aspecto. Pero no me parece de recibo el vapuleo que reciben sistemáticamente las películas de DC. Muchas veces me cuesta distinguir quien hace una critica sincera de quienes simplemente se suben al carro de pegarles una hostia solamente por las críticas.

Lo que no me gusta en absoluto son las criticas tipo «Marvel lo hace bien, DC debería copiarlos» No, no, no y no. Pero sobre todo no. DC hace muy bien en seguir su propio camino, en buscar su propia voz. Que no les sale pues no le sale, pero basta ya de ir al cine a ver la enésima película de Marvel con el mismo estilo graciosete y desenfadado que ya se esta empezando a convertir en algo monotono. Hay muchos tipos de cómics, muchos tipos de historia, y DC tiene que hacer lo mismo que hizo en su día en los comics, sus Crisis, sus Watchmen y sus Sandman. Y si me preguntáis, no, no quiero que Snyder se acerque a la Liga de la Justicia jamás, pero tampoco quiero que DC haga una película del grupo del mismo estilo que los Vengadores. ¡Son grupos complemente diferentes, con mitologías complemente distintas!

Antes de la película de las Pájaras de Presa nos pusieron los trailers de Wonder Woman y la Viuda Negra. La primera promete mucho y me deja expectante ante lo que promete, sin embargo la segunda me pareció la tipica película Marvel de las que ya he visto como quince iguales. Muchas ganas con Diana, mucha pereza con Natasha.

Y ya que estamos, Escuadrón Suicida es la película más desastrosa que he visto en muchos años. ¡Pero también le disfrute una barbaridad! No hay nada como ir al cine convenientemente vacunado.

Las quince primeras vidas de Moira MacTaggert

Habíamos dejado a los X-Men en un nuevo entorno creado por Krakoa que proporcionaba a los mutantes un hábitat ideal para vivir pero sobre todo una serie de medios para “extorsionar” al resto de naciones del mundo. Hasta ahí todo perfecto, pero entonces llegamos al tercer número de la saga y nos encontramos un giro totalmente inesperado y que cambia no solo el sentido de la serie, sino de toda la historia de los X-Men. Pero, esa historia me suena de antes, como si la hubiera leído en algún sitio.


Este post viene del anterior, mejor leélo antes.

Este post contiene SPOILERS de Dinastía de X número 2. Son SPOILERS que si no te has leído la saga te la van a destrozar. Te recomiendo de verdad leerte los cómics antes, merecen mucho la pena.

Las quince primeras vidas de Harry August es un libro escrito por Claire North en 2014. En él se nos cuenta la historia de Harry, una persona a la que le ocurre algo muy especial siempre que muere: vuelve a renacer. No hablamos de una reencarnación, sino de un renacimiento, ya que vuelve a nacer de su madre y a vivir otra vez toda su vida, pero con el conocimiento de sus vidas anteriores. No es al único al que le ocurre este curioso don, ya que a lo largo de sus vidas se ira encontrando con otros que sufren el mismo fenómeno y que se van pasando conocimientos los unos a los otros a lo largo de eternos ciclos de renacimientos. El problema surge cuando uno de estos seres esta acercando el fin del mundo a nuestros días… y para conocer el resto de la historia tendréis que leer el libro.

Dinastía de X número 2 es un cómic escrito por Jonathan Hickman en 2019. En él se nos cuenta la historia de Moira, una mutante cuyo poder consiste en que siempre que muere vuelve a renacer y supongo que ya os estaréis imaginando el resto.
La diferencia en este caso es que en cada vida, Moira decide enfrentarse al problema mutante (eso de perseguidos y odiados y todos muertos y esas cosas) de una manera distinta e influir en determinados acontecimientos claves de la historia mutante provocando todo tipo de lineas temporales que suelen acabar en desastre. Así que en su última encarnación ha decidido coger el toro por los cuernos e ir directamente a por Xavier y contarle todo lo que sabe. Lo que nos lleva a los eventos narrados en esta Dinastía de X/Potencias de X.


Así que, ¿estamos ante un plagio o no? Porque no solo la historia es demasiado parecida, es que además el tono de lo narrado también lo es. Cuando el cómic apareció publicado en los Estados Unidos no tardaron en surgir las acusaciones de plagio e incluso se las hicieron llegar a la propia autora. Sus comentarios fueron que todo esto le parecía muy «interesante». Hickman no tardó mucho en confesar que efectivamente había leído el libro pero que a él no le parecía que el tono de la historias se parecería en absoluto. Es más, saco a colación un libro de 1986 llamado Replay, cuyo argumento sobre gente que muere y vuelve a vivir su vida seguro que os sonara de algo.

Vamos, lo que viene un poco a decir Hickman es que las ideas flotan por el aire y que este tipo de historias son moneda de uso corriente. También viene a decir que quien roba a un ladrón tiene cien años de perdón. Pero a ver Hickman, eso no quita que tu también estés robando, ¿no?

Es un tema delicado porque la historia narrada por Hickman es muy buena, plantea una serie de eventos muy interesantes e incluso justifica años y años de bandazos mutantes. Cada vez que veíamos un universo mutante diferente, ¡era Moira cambiando la realidad! Pero, ¿deberíamos disfrutarla sabiendo que es un plagio? Porque esto como siempre, depende de como toque el corazoncito a cada uno. Si a mi el libro me da igual, me parece cojonudo que plagien lo que quiere.. Pero, ¿todo vale? Porque si nos pasara a nosotros nos cagaríamos en todo y diríamos que que vergüenza, que no todo vale, etc, etc. Un tema delicado.

Que queda claro que la saga es grandiosa y que la frontera entre el plagio y el no plagio es tan fina que… ¡qué mas da todo! Que cada cual piense lo que quiere. Yo recomiendo tanto el cómic como el libro y que cada cual saque sus propias conclusiones.

X elevado a mutante

Tal como hizo con los 4 Fantásticos y los Vengadores, Jonathan Hickman ha cogido a los X-Men de toda la vida y los ha metido en su coctelera para crear unos nuevos y relucientes mutantes como no los habíamos visto en la vida. Si como todo el mundo abandonaste los X-Men hace 20 años este es el momento ideal para subirte al carro. Por fin un cómic que merece la pena leer número a número en grapa.

Casa de X y Potencias de X son dos miniseries de seis números que en realidad es una sola de doce porque a Hickman le gusta hacer cosas de estas modernitas. Las dos van de lo mismo y se continúan la una a la otra, siendo la única diferencia entre ambas su dibujante: Pepe Larraz en la primera y RB Silva en la segunda. Y aunque los dos son muy buenos, madre mía del amor hermoso como dibuja aquí Pepe Larraz. Tiene una cantidad alucinante de páginas en la que no puedes hacer otra cosa que quedarte extasiado. Es espectacular lo que hace Larraz, ¡ES-PEC-TA-CU-LAR!

Centrándonos en la saga en sí, se trata del comienzo de una nueva etapa en la historia de los mutantes. Seguramente es una frase que no hayáis oído nunca jamás, ¡pero esta vez hasta parece que es cierto! Hickman arranca con una serie de ideas muy buenas que redefinen el lugar de los mutantes dentro del universo Marvel y lo hace con personajes y elementos que llevan rondando por la serie durante muchos años y que han sido explotados hasta la extenuación. Como es propio de él, mezcla lo viejo con lo nuevo y la unión resulta en una historia muy explosiva, llena de grandes momentos y que promete agitar los cimientos de toda la historia de los mutantes. Pero tiene una gran pega: es solo el comienzo. En estos doce número sienta las bases de una historia más grande que la vida y que de seguir en la misma estela puede resultar en una de las mejores sagas de toda la historia de la compañía. Pero que eso ocurra es muy dudoso porque una vez terminada esta especie de introducción, la maquina trituradora de Marvel se pone a rodar y da pábulo a más de 10 colecciones que en teoría continúan de aquí. Y no, gracias pero no gracias.

Y a partir de este punto necesito ya hablar de la historia, así que spoilers del primer número de la saga. Recomiendo leerse el cómic antes de permitir que alguien os cuente de que va.

Krakoa es a los X-Men lo que Krypton a Superman. Es el lugar que atrae a los mutantes como la miel a las moscas y que atrapa en sus garras a la formación original para que de este manera el Profesor Xavier pueda dar a luz a los X-Men definitivos. Es una isla, es un mutante. Pero sobre todo es algo desaprovechado a lo largo de décadas por la mayoría de escritores. Siempre ha estado ahí, siempre ha hecho alguna que otra aparición, pero nunca nadie ha sabido que hacer exactamente con ella. A Hickman se le ha ocurrido encontrarle una utilidad: convertirla en la gran nación mutante.

No es la primera vez que se intenta crear algo así. Los propios personajes se preguntan porque va a funcionar ahora lo que fue un fracaso total en Genosha. La respuesta la tiene el guionista: Krakoa es un mutante y como tal lo es todo, tanto el alfa como el omega. Es su propio lugar en el espacio-tiempo pudiendo acoger a millones de mutantes dentro de ella. También puede reproducirse a través de sus esporas, creando puertas de conexión entre puntos muy lejanos. Pero lo más importante, Krakoa puede producir una serie de flores que entre muchas cosas curan una serie de enfermedades incurables hasta ahora. De esta manera los mutantes no solo tienen un refugio, sino algo con lo que negociar con la humanidad su para reclamar su lugar en el mundo. Así que aprovechando las bondades de Krakoa piensan plantarse de una vez por todas antes la humanidad y acabar con los tiempos de buenismos y de ser cazados por los humanos. Los mutantes ya no son el futuro, son el presente y como tal quieren convertirse en su propia potencia. Y lo harán por las buenas ya que tienen algo muy valioso con lo que negociar pero si es necesario lo harán por las malas, porque ya están cansados de tantos años de desprecios y humillaciones.

Y esta idea, desarrollada de una manera muy ingeniosa, bastaría por si sola para servir como base a toda la saga. Pero resulta que este cómic tiene sus propias sorpresas y resulta que la idea de la gran nación mutante es solo un elemento secundario dentro de la trama. La historia de verdad, la que da un giro brutal a todo lo que conocemos y que justifica con brillantez todo lo ocurrido hasta ahora durante tantos años, se nos desvelara unos números más tardes. Y es una idea grandiosa, espectacular, fantástica, maravillosa… y un plagio en toda regla. (Continuara en el siguiente post)

Los autores se cabrean

En el pasado festival de Angoulême, entre las exposiciones de Rumiko Takahashi Yoshiharu Tsuge y Wally Wood (catalogo no disponible hasta dentro de unos meses, ¡malditos séais!), Lewis Trondheim se dedicaba a hacer dibujitos al lado de sus originales riéndose de todo. Pero entre broma y chascarillos, había algo diferente… ¡reivindicaciones sobre el salario de los autores! ¿Cómo se atreve a hacer algo así?

Este 2020 se celebra el año del cómic en Francia. La industria en aquel país se encuentra en un momento especialmente voyante, con unas cifras de venta en continuo crecimiento y una salud en general envidiable. Se publican una cantidad de títulos enormes y las tiradas de los grandes títulos son extraordinarias. Es el paraíso. Excepto para una parte bastante importante de la industria: los autores. La mitad de ellos trabajan por una cifra cercana al salario mínimo interprofesional. O dicho de otra manera: cobran un sueldo de mierda para vivir una vida de mierda.

Ah, pero que envidia, ¡al menos cobran algo! No como en nuestra tierras donde cobrar lo que se dice cobrar, ¡poco, tarde y mal! ¿De qué se quejan estos franceses? ¡Si viven como marajás! Que se vengan a España y se enteren de lo que es bueno… Ah sí, ¿cómo se llama eso? Mal de muchos, consuelo de tontos.

Pues mirad, hacen muy bien en protestar y quejarse y querer vivir de su trabajo. Es una extraña manía que deberíamos reivindicar los trabajadores en cualquier ámbito laboral: el derecho a un salario digno. Se tiene la manía de considerar a los autores de cómic como afortunados que se dedican a lo que más les gusta y que por amor al arte pueden vivir del aire. Pues como en todos los trabajos algunos harán lo que le más les gusta, otros lo odiaran con toda su alma y muchos de ellos simplemente querrán llevar el pan a la mesa. Como nos pasa a todos. Hay días que vamos con ilusión al trabajo porque estamos en medio de un proyecto que nos apasiona y otros en los que que preferiríamos que nos arrancaran las uñas porque nos toca enfrentarnos otra vez a una odiosa monotonía.

En España la mayoría de autores no aspiran ni a cobrar el salario mínimo porque no hay industria. Tanto Panini como Planeta o Norma son importadores de licencias extranjeras, por lo que industria no están creando ninguna. Pero lo que es peor aún es que no hay ningún tipo de unión entre autores. Da igual como lo queráis llamar: sindicatos, asociación, colectivo, lo que sea. Siempre que se monta algo todos los implicados se llevan a matar, se pelean por ostentar los cargos y pierden su tiempo en luchas estériles que no llevan a nada. En vez de luchar por sus derechos dedican todas sus fuerzas a pelear entre ellos. Así que nada de nada, ni industria, ni unión ni nada. Todos aspiran a publicar para otros países y hacen muy bien, ellos también quieren ganarse la vida y aspirar a encontrarse en medio de esos autores que protestan porque les parece poco el salario mínimo.

Volviendo a los problemas de los países donde los autores deciden que es mejor todos a una, echemos un vistazo a este tuit

Aquí se encuentra el gran problema, que de todo el pastel los autores son los que menos se llevan y es curioso porque es el único elemento imprescindible y necesario para que exista la obra. Sin editores, sin libreros, sin distribuidoras seguirían existiendo cómics. No los compraría nadie pero seguirían existiendo. Ojo, que todos esos actores son necesarios para que exista una industria, pero si el que carga las cajas de los cómics en un camión tiene un mejor sueldo que tu, a lo mejor te saldría más a cuenta dedicarte a cargar cajas tu también. Y claro, si todos se ponen a cargar cajas, ¿quien se dedica a producir lo que va dentro de las cajas?

Es un problema muy complicado y de díficil solución. Es muy complicado decirle a la distribuidora o al librero que se lleven menos, porque entonces se dedicaran a hacer otras cosas que no tienen nada que ver con los cómics. Pero ¿y la editorial? ¿Es necesario que se lleve tanto?

Otra cuestión, ¿debería ser un medio subvencionado incluso en una industria tan boyante? Porque hagamos la siguiente reflexión: publiquemos solo los cómics que sean realmente rentables para todos: Asterix, Lucky Luke, Blueberry, etc. Dejemos el resto morir, si sus autores no tienen para vivir que lo dejen y se dediquen a otras actividades más rentable. ¿Sabéis donde nos lleva eso? A que no haya una industria del cómic, como ha pasado en España, donde se ha vivido a ritmo de Mortadelos y Capitanes Truenos y poca cosa más. Si se quiere una industria rica y sana, necesitamos tanto los bestseller como los títulos de menor venta porque estos serán los más arriesgados, los más experimentales, los que contaran otro tipo cosas. Es lo bonito del medio, que tengan cabida todo clase de títulos, no solo los que mas venden, los que más nos entran por los ojos.

Que se quejen, que protesten, que luchen por lo suyo y por lo nuestro. Se merecen mucho más que un salario de mierda y tenemos que hacer lo que sea por apoyarlos.

54 propuestas

Os dejo con las 54 propuestas para el fomento de la industria del cómic.
Es una traducción del francés y no es exacta del todo así que pido perdón por los errores. El informe original lo tenéis en este enlace y las medidas comienzan a partir de la página 85, en donde se explican una a una con bastante detalle. Algunas de ellas solo tienen sentido dentro del mercado francés y otras se podrían intentar extrapolar al nuestro, pero por supuesto todo cuesta dinero. En la página 111 tenéis el coste que se estima para aplicar estas medias. La cifra final es de 2.435.000 €.

  1. Hacer de 2020 el «año de la Bande Dessinée».
  2. Asegurar el desarrollo del Festival de Angoulême apoyando su estructuración física y consolidando su estabilidad presupuestaria.
  3. Iniciar consultas con el Ministerio de Educación Superior para crear la primera cátedra de enseñanza de la historia del cómic.
  4. Poner en marcha una convocatoria de proyectos para desarrollar un programa de investigación académica.
  5. Apoyar la creación de un premio de la crítica.
  6. Transformar la Escuela Superior Europea de Imagen de Angoulême y Poitiers en una escuela nacional de cómic.
  7. Instituir la marca «Angoulême, centro nacional del cómic».
  8. Condicionar las ayudas públicas a los editores a un código de buenas prácticas entre autores y editores.
  9. Establecer relaciones entre los diferentes ministerios relacionados con el régimen de la seguridad social y las organizaciones de autores.
  10. Tener en cuenta un nuevo régimen de ingresos suplementarios que permitan tener más dinero a los autores.
  11. Condicionar las ayudas públicas a los festivales a las remuneraciones que pagan a los autores por su presencia y a la paridad hombres/mujeres entre los invitados.
  12. Facilitar el networking entre los autores para fomentar nuevos tipos de residencias y lugares de coworking.
  13. Fortalecer la oferta de formación continua para los autores.
  14. Poner en marcha contratos experimentales entre la Direccion Regional de Asuntos Culturales de Aquitania y las autoridades locales para el apoyo de los autores.
  15. Una mejor integración de los autores en la política y mecanismos de las artes visuales del Ministerio de Cultura.
  16. Creación de un tipo de ayuda especifica para los autores movilizando fondos del FONFEPS.
  17. Creación de un programa de ayudas para organizar las carreras de los autores y favorecer la inserción de jóvenes autores que terminan sus estudios.
  18. Creación de una incubadora para jóvenes que llegan de las escuelas superiores de arte.
  19. Cambiar la actual regulación de ayudas a la industria de programas audiovisuales para favorecer a los cómics.
  20. Revisar la política de certificaciones de las escuelas privadas de cómics.
  21. Implementar un programa plurianual de observación del sector liderado por el Departamento de estudios estadísticos del Ministerio de Cultura .
  22. Fortalecer el apoyo a las pequeñas editoriales independientes y facilitar sus actividades.
  23. Desarrollar un código de prácticas entre editores, autores y libreros para mejorar determinadas prácticas que equilibren el ritmo de lanzamientos durante todo el año.
  24. Programas de desarrollo para la formación de bibliotecarios en el campo del cómic, su historia, sus códigos y sus subgéneros.
  25. Crear una cláusula especifica para el cómic en los contratos del sector del libro y artes visuales.
  26. Reforzar la presencia de los cómics en los programas de fomento de la lectura.
  27. Facilitar lugares para las exposiciones de cómics.
  28. Implementar un programa de educación continua para librerías generalistas y desarrollar un modulo de formación de cómics para los libreros.
  29. Mejorar la lucha contra la piratería.
  30. Evaluar el impacto de las acciones de educación artística y cultural a través de un programa conjunto del departamento de estudios estadísticos del Ministerio de Cultura y de la Dirección de Estudios del Ministerio de Educación Nacional.
  31. Crear una asignatura piloto de cómic en el colegio o instituto.
  32. Crear residencias de estudios en torno al cómic.
  33. Desarrollo de recursos educativos y herramientas para profesores y para todo aquel que pueda trabajar con el cómic (trabajadores sociales) y público en general.
  34. Crear un programa alrededor de las residencias de autores en las escuelas publicas.
  35. Integrar el cómic en el temario de la educación artística y cultural.
  36. Crear un curso de formación en cómic para profesores dentro de la Escuela Superior de educación de Poitiers.
  37. Implementar un programa nacional de educación continua en cómics destinado a docentes.
  38. Integrar la oferta más amplia posible de cómics en el abono cultural.
  39. Crear un programa de enseñanza del francés y de la cultura francesa utilizando el cómic destinado a extranjeros asi como un programa de creación de cómics en torno al tema de la migración.
  40. Desarrollar experiencias entre cómics y actores sociales.
  41. Implementar nuevos modos de promocionar los cómics aprovechando los vínculos entre libro, animación y videojuegos.
  42. Mejorar el apoyo a editores pequeños y alternativos en el campo internacional.
  43. Crear un programa para promover y difundir la francofonía utilizando el cómic en el mundo árabe y en el África subsahariana.
  44. Crear un programa de investigación y desarrollo para diseñar cómics digitales con el fin de conquistar mercados extranjeros.
  45. Dedicar un día solo para profesionales en el mercado internacional de derechos del festival de Angoulême.
  46. Apoyar proyectos de reconocimiento de colecciones y archivos de cómic utilizando la etiqueta «memoria del mundo» de la UNESCO.
  47. Organizar la salvaguarda de los fondos patrimoniales del 9º arte.
  48. Hacer de la Ciudad Internacional del cómic de Angoulême la líder en gestión de colecciones y patrimonio.
  49. Fortalecer la cooperación entre la Biblioteca Nacional de Francia y la Ciudad Internacional para realzar el valor del patrimonio.
  50. Crear un centro parisino para la promoción y transmisión de la cultura del 9 arte.
  51. Organizar la recopilación, conservación y mejora de los archivos de las editoriales en un proyecto conjunto con la ciudad internacional del cómic.
  52. Afianzar el mercado de páginas originales.
  53. Reforzar la información legal y fiscal de los derechos de autor para fomentar las donaciones del fondo de los autores.
  54. Garantizar la cooperación en la política sobre cómics del ministerio de cultura y la dirección general del patrimonio, integrando el noveno arte en la política de artes visuales.

El grave problema de la industria francesa

Cada vez que leo este tipo de cosas mi primer pensamiento es: ¿medidas para el cómic fránces? ¡No las necesitan! ¡Nosotros sí que las necesitamos y no ellos! Pero si nos olvidamos de las diferencias entre nuestro país y el suyo veremos que puede que tengan un grave problema. Vamos a echar un vistazo a ese informe a ver que les esta pasando en estos momentos.

El informe entero lo he sacado de actuabd.com y esta completo en esta dirección. Como no esta escrito en francés y consta más de 100 páginas, así que no es una lectura muy ligera que digamos. Pero tiene muchísimas cosas interesantes a las que merece la pena echar un vistazo. Para este post voy a extraer parrafos sueltos, así que perdonadme por la traducción que quizá no sea la más adecuada. Por si acaso os pongo una referencia a la página en la que aparece cada parrafo para que podáis buscar el texto original para quien tenga interés.

Francia se confirma como el tercer país productor [de cómic] del mundo con un crecimiento de su producción multiplicado por diez desde 1996. [Pág.5]

Evidentemente los dos primeros serán Japón y Estados Unidos. La verdad es que esa cifra es maravillosa, lo que demuestra la buena salud que esta teniendo el cómic en Francia demostrando que es una poderosa industria que no para de crecer. Pero, y aquí esta el quid de la cuestión…

El sector se enfrenta a una crisis de crecimiento debido al aumento de la producción total (número de títulos publicados) por encima de las cifras de venta lo que lleva a la precarización de los autores. […] Por un lado, la media de las tiradas ha caído y generan una remuneración por título más baja que en el pasado. Por otro, el trabajo de un autor, en particular de los dibujantes, exige una concentración, una meticulosidad y un tiempo de dedicación tal que hace muy díficil combinarlo con otro empleo. [Pág.5]

En 2016, 384 editoriales de cómics publicaron 5305 títulos. En 1992, 60 editoriales publicaron 589 título. [Pág.28]

Una encuesta realizada en enero de 2016 desveló unos datos preocupantes: El 53% de los autores encuestados reciben menos del SMI, de los cuales un 36% viven por debajo el limite de la pobreza, a pesar de un nivel de estudios cada vez mayor y una carga de trabajo considerable. Esto afecta aún más a las mujeres, un 67% por debajo del SMI y un 50% por debajo del limite de la pobreza.[Pág. 40]

Según el informe, esta encuesta recibió un total de 1.500 respuestas, así que haced vosotros mismos las cuentas. Son cifras estremecedoras, un crecimiento brutal de títulos cuya mayoría de autores viven al borde la miseria si deciden dedicarse única y exclusivamente al cómic.

Los números hablan por si solos: una producción multiplicada por diez desde 1996, para un volumen global de ventas únicamente multiplicado por cinco, con una media en la tirada que ha pasado de 10.000 a 3.000 ejemplares. El volumen de negocio ha pasado de 49 millones de euros en 1996 a 261 millones en 2016, una progresión cinco veces mayor […], algo que se explica en parte por una subida en el precio de venta de los ejemplares. La diversificación editorial ha llevado a obras más gruesas y a precios más elevados que los álbumes franco-belgas de 48 páginas.
[…] Los adelantos de derechos según la encuesta de la EGBD, se establecen de media sobre 11.278€. Rondaban sobre los 20.000€ hace veinte años.[Pág.46]

Todo esto nos lleva a la famosa pescadilla que se muerde la cola:

Este fenómeno de superproducción lleva a que los autores publiquen a un ritmo más elevado, de manera que puedan compensar con una producción más elevada la perdida de ingresos por álbum.[Pág.46]

Así que sí, tienen un problema muy serio. Concretamente el de una industria en pleno crecimiento que ahoga a sus autores exprimiéndoles para sacar más beneficios. Una industria que crece por 10 en producción pero solo por 5 en ventas tiene un problema muy serio, y los que están pagando el pato de esa desigualdad son los autores.
En el siguiente post si no os ha aburrido el tema, echamos un vistazo a algunas de las medidas que se proponen en el informe para intentar remediar esta complicada situación.

Una visita al Festival de Angoulême

Este año por fin me líe la manta a la cabeza y junto a un amigo emprendimos viaje a la meca de los salones del cómic de toda Europa. Es un salón tan especial que los franceses no lo llaman así, sino más bien El Festival. Y no podían haber escogido un nombre más adecuado.

Aunque antes de liarse la manta a la cabeza hay que tomar la decisión de hacer el viaje con muchísimos meses de antelación para poder buscar un alojamiento acorde a nuestro nivel económico. Una vez que se conocen las fechas en las que se celebra el festival tanto las plazas hosteleras como las habitaciones de particulares vuelan y hay que estar muy atento sino quieres acabar durmiendo a más de 50 kilómetros de la ciudad. Supongo que los habituales tendrán sus mañas y sus madrigueras para pasar las noches a buen cobijo, pero los primerizos tenemos que espabilarnos si no queremos pagar la novatada. Así que una vez reservada habitación con muchísiiiiisima antelación y disponiendo de medio de locomoción adecuado (mi propio vehículo) ya estábamos preparados para todo.

Como era nuestra primera vez, el componente turisteo tuvo mucho más peso que el de saloneo. Así que aunque no nos dejamos sin visitar ninguno de los recintos del evento, pasamos más tiempo de un lado para otro haciendo de turistas dejando de lado alguna de las actividades. Teníamos previsto acudir a alguna de las conferencias y encuentros con los autores, pero al final el tiempo se nos echó encima y eso que estuvimos a tope 3 días enteros de un lado para otro. Nos levantábamos temprano, nos metíamos un buen desayuno entre pecho y espalda y nos lanzábamos como posesos a pisar las calles del centro de la ciudad, que es donde se desarrollaba todo lo interesante del festival. Allí íbamos de exposición en exposición, nos metíamos en alguna de las míltiples carpas de las editoriales o nos dedicabamos a buscar alguna de las espectaculares fachadas pintadas. ¿Cómo? ¿Fachadas dices?

Una de las cosas más sorprendentes del festival es la implicación que tiene toda la ciudad con el mismo. Hay una gran cantidad de fachadas de edificios decoradas con personajes o escenas de tebeos, los comercios de la ciudad adornan sus escaparates con todo tipo de cómics y realizan sus propias exposiciones como reclamo de ventas, un autobús gratuito recorre los principales puntos para llevar a los visitantes y por las calles hay altavoces que van anunciando todas las actividades del Festival. Toda la ciudad esta implicadísima y es fascinante encontrarse de repente con una iglesia que dentro alberga una exposición de cómics cristianos o un cartel que te indica que entres a una tienda porque van a presentar un cómic. Durante los cuatro días que dura el Festival, la ciudad vive y respira cómics por los cuatro costados.

Hablando de las exposiciones, todas alucinantes. Tanto por las ubicaciones, en edificios emblemáticos de la ciudad, como por su contenido. Absolutamente brutales la de Corben, Manara y la dedicada a los 80 años de Batman. Y maravillosas las de Taiyo Matsumoto, Rutu Modan y Jean Harambat. A algunos de ellos nos les conocía antes de estas exposiciones, pero merecian mucho la pena no solo por el material mostrado sino por el cuidado de las presentaciones. En todas había algo que admirar y que aprender, en todas había algo interesante que disfrutar. Creo que nunca en mi vida me había detenido tanto a admirar las exposiciones de un evento y es que merecía la pena pasarse horas y horas en cada una de ellas.

Las carpas eran enooooooooormes. La primera que visitamos era del tamaño habitual en los salones, al parecer estaba dedicada al merchadising, y bueno, nada del otro jueves. Pero luego visitamos otra de pequeñas editoriales o independientes y aquello se extendía y se extendía y se seguía extendiendo y era absolutamente interminable. Estaba completamente alucinado de la cantidad de editoriales que había allí reunidas y sobre todo me sentía miserable por no tener millones para gastarme y llevarme un ejemplar de todo de cada uno de los stand. La carpa dedicada al manga también tenia un tamaño considerable aunque no llegaba al nivel de gigantesca. Lo más sorprendente fue que no estaba dedicada solo a Japón, sino que había bastante material de distintos países asiáticos con monton de cosas interesantes.

Por azares del destino nos dejamos una carpa para el último día y hasta que no estuvimos dentro no nos dimos cuenta que era la que ocupaban las editorial gigantescas como Dargaud, Dupuis o Casterman. Para colmo de males era sábado y allí dentro había ultrapoblación. Cada editorial tenía un espacio a su disposición demencial y parecía que se habían traido todo el stock de sus almacenes por la cantidad de tebeos que tenían allí. Para engrandecerlo todo, cada editorial tenía una fila de autores firmando y centenares de persona haciendo colas para las dedicatorias. Aquello es lo más cercano que he estado en mi vida a un apocalipisis zombie y resultaba increible ver a todo tipo de personas comprando cómics como locos. Hubo un momento que casi me da un chungo entre el calor, la locura y el Stendhalazo que me estaba dando.

Para mi el Festival ha sido ha sido de ir a un lado para otro y quedarme complemente alucinado con todo lo que me encontraba. Seguramente sea por la novedad, ya que aunque he ido a muchos salones y muy diferentes jamás he estado en algo similar. No solo por la ciudad entera, sino por toda la diversidad y la cabida que se le da a todo tipo de cómics. Hay de todo y para todos, y aunque a los superheroes se les hace un poquito de menos, la exposición con la cola más larga era sin lugar a duda la de Batman.
Así que sí, este festival es todo y más de lo que os cuentan. La logística tanto para desplazarse allí como para alojarse es de pesadilla, pero una vez que habéis puesto los pies en la ciudad es todo un paraíso para el aficionado al cómic. Además es uno de esos eventos que te reconcilian con el cómic y que te hacen desear leer cada vez más y probar todo tipo de géneros y darle una oportunidad a autores que conocías de poco o nada. Es uno de esos eventos que te hacen feliz de ser aficionadoa los cómics al sentir que han encontrado su lugar en el mundo. Si os gustan los cómics, alguna vez en vuestra vida téneis que ir a Angoulême.

P.S. En el post anterior tenéis una galería de fotos. A disfrutarla.